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막걸리가 와인보다 과학적이다! '조상님들의 비밀 레시피' 최초 공개

 동서양을 대표하는 두 발효주, 와인과 막걸리의 제조 과정에는 흥미로운 차이가 존재한다. 이는 단순한 제조 방식의 차이를 넘어, 인류 문명의 발달 과정을 보여주는 중요한 단서가 된다.

 

와인의 역사는 인류 문명만큼이나 오래되었다. 고고학적 증거에 따르면 최초의 와인은 약 8000년 전 조지아 지역에서 만들어졌다고 한다. 이후 이집트, 메소포타미아를 거쳐 서유럽으로 전파되며, 특히 기독교 문화권에서 성찬용 포도주로 사용되면서 더욱 발전했다.

 

와인 제조의 가장 큰 특징은 그 단순함에 있다. 포도알을 으깨면 자연스럽게 과즙이 나오고, 포도 껍질에 붙어있는 야생 효모가 당분을 분해하며 자연스럽게 발효가 시작된다. 이런 단순한 '단발효' 과정 덕분에 인류는 일찍부터 와인을 즐길 수 있었다.

 

반면 우리의 막걸리는 훨씬 복잡한 과정을 거친다. 쌀이라는 원재료부터가 그렇다. 쌀에는 포도와 달리 효모가 바로 먹을 수 있는 당분이 없다. 쌀의 주성분인 전분을 먼저 당분으로 분해해야 하는데, 이것이 바로 '당화' 과정이다. 이를 위해서는 특별한 효소가 필요하다.

 


우리 조상들은 이 문제를 누룩이라는 독특한 발효제로 해결했다. 누룩은 밀이나 보리를 빚어 만든 덩어리로, 그 안에는 효소와 효모가 모두 들어있다. 효소가 먼저 전분을 당분으로 분해하고, 이어서 효모가 그 당분을 먹고 알코올을 만들어내는 '병행 복발효' 방식이다. 이는 마치 압축파일을 푸는 과정과 비슷하다고 할 수 있다.

 

이러한 복잡한 과정은 역설적으로 한국 전통주의 다양성을 가져왔다. 막걸리 원액은 14~15도의 높은 도수를 자랑하는데, 이를 걸러내면 약주가 되고, 맑은 윗부분만 따로 모으면 청주가 된다. 더 나아가 이를 증류하면 소주가 탄생한다. 조선 시대 명주로 꼽히는 감홍로나 홍로주도 모두 이러한 과정을 거쳐 만들어졌다.

 

특히 주목할 만한 점은 효모와 효소의 차이다. 한자어를 살펴보면 그 의미가 더욱 선명해진다. 효소(酵素)는 '항아리 속에서 흰 쌀을 삭히는 물질'을, 효모(酵母)는 '삭힌 것을 품고 술을 낳는 어머니'를 의미한다. 이처럼 정교한 발효 과학이 우리 전통주 문화에 깃들어 있었던 것이다.

 

현대에는 맥주라는 또 다른 양조 방식도 주목받고 있다. 맥주는 보리를 발아시켜 효소를 얻는 '단행 복발효' 방식을 사용한다. 하지만 이는 막걸리의 병행 복발효만큼 높은 도수를 얻을 수 없다는 한계가 있다. 결과적으로 각각의 발효 방식은 그 지역의 문화와 기후, 농작물의 특성을 반영하며 발전해 온 것이다.

 

부숴야 비로소 시작된다…파괴에서 창조를 보는 거장

 버려진 병뚜껑에 예술적 숨결을 불어넣어 세계 미술계의 거장으로 우뚝 선 가나 출신 작가 엘 아나추이가 신작과 함께 한국을 찾았다. 서울 청담동에 위치한 갤러리 화이트 큐브 서울에서 그의 개인전 ‘LuwVor’가 막을 올렸다. 이번 전시는 아시아에서 처음으로 그의 신작을 선보이는 자리로, 서울을 시작으로 아트바젤 홍콩까지 이어지는 대규모 프로젝트의 서막이다.엘 아나추이는 금속 폐기물인 병뚜껑을 마치 천을 짜듯 구리선으로 엮어 거대한 직물과 같은 설치 작품을 만드는 것으로 세계적인 명성을 얻었다. 그의 손에서 하찮은 소비의 잔해는 인류의 역사, 문화, 교류에 대한 장대한 서사를 담은 기념비적인 예술 작품으로 재탄생한다. 이는 폐기물에 새로운 생명을 부여하는 동시에 조각이라는 장르의 전통적인 경계를 허무는 혁신적인 시도다.그의 작품 세계를 관통하는 핵심 철학은 ‘비고정성(Non-fixed form)’이다. 이는 조각을 완성된 고정체로 보지 않고, 설치되는 공간과 조건에 따라 끊임없이 변화할 수 있는 유동적인 존재로 인식하는 개념이다. 이러한 생각은 파괴를 재탄생의 조건으로 바라보는 그의 초기작 ‘깨진 항아리’ 연작과도 맥을 같이하며, 과거를 미래의 자원으로 삼는다는 아프리카의 ‘산코파(Sankofa)’ 사상에 깊이 뿌리내리고 있다.이번 전시에서 공개된 신작들은 지난 30년간 이어온 병뚜껑 작업의 연장선에 있으면서도 한 단계 더 진화한 형태를 보여준다. 수천 개의 금속 조각을 자르고 변형시켜 엮어낸 작품들은 이전보다 더욱 정교하고 복합적인 구조를 드러낸다. 특히 작품의 앞면과 뒷면이 뚜렷한 대비를 이루는 점이 주목할 만하다.작품의 한 면이 은빛 금속의 단조로운 물성을 드러낸다면, 다른 면은 흙을 연상시키는 검은색, 갈색, 붉은색 등 다채로운 색의 조합으로 이루어져 있다. 작품은 벽에 걸리는 대신 공간에 느슨하게 드리워져, 관람객은 그 주위를 거닐며 작품의 양면은 물론, 틈새로 드러나는 내부 구조까지 다각적으로 경험하게 된다. 이는 고정된 시점을 거부하고 관람객의 능동적인 참여를 유도하는 작가의 의도를 보여준다.런던 테이트 모던과 상하이 푸동미술관에서의 성공적인 전시 이후 발표되는 이번 신작들은 작가의 끊임없는 예술적 탐구와 확장을 증명한다. 서울 전시에 이어 아트바젤 홍콩에서도 주요 작품이 소개될 예정이어서, 엘 아나추이의 새로운 예술 세계에 대한 국제적인 관심은 당분간 계속될 전망이다.